En el Salone del Mobile.Milano 2026, una edición donde la sostenibilidad y la innovación tecnológica ya se dan por sentado, es el espacio y su capacidad para emocionar, ordenar y comunicar el que marca la diferencia. Entre cientos de pabellones algunos consiguen detener el ritmo. La arquitectura efímera deja de ser soporte para convertirse en discurso. Esta selección reúne diez propuestas donde el diseño no se expone: se experimenta.
Arper. (RE)CONNECTING. Por Maio Architect
El stand de Arper, uno de los más aclamados de la edición, se articuló como una narrativa espacial en torno a la reconexión con la naturaleza, con los otros y con los objetos. Los arquitectos de Maio y la firma han s reflexionado sobre cómo el diseño puede crear espacios que resulten más abiertos, adaptables y en sintonía con los ritmos de la vida contemporánea.
El espacio se organizaba en diferentes ambientes denominados «Spaces To». Representaban distintas formas de habitar los espacios actuales, combinando elegancia, color y calidez. Así se presentaron las últimas novedades el sofá Aom, y el sillón Cari. En el centro, la evolución de la ya icónica colección Catifa como ancla conceptual, acompañada por piezas de Jean-Marie Massaud y del estudio Doshi Levien. Materiales innovadores y soluciones circulares configuraban un entorno marcado por la sostenibilidad que caracteriza a Arper.
El diseño buscó un equilibrio entre creatividad y responsabilidad, utilizando una estética que Arper define como «Redefining Beauty», priorizando las cualidades naturales y el significado sobre la perfección o la novedad pura. Y un plus: la idea de MAIO Architects y DWA Design Studio, crearon una estructura de pabellones conectados que permitían una acústica perfecta para el escuchar al conjunto de cuerda y arpa, con sesiones de música en vivo que nos hicieron parar, sentarnos y cambiar de ritmo
Alpi. Secuencias y Variaciones. Por Piero Lissoni y Yabu
Para Alpi, su director creativo, el arquitecto Piero Lissoni (que también lo es de otras prestigiosas firmas, como B&BItlia, Boffi, Living Divani o Porro) diseñó una escenografía basada en ritmo y repetición. Superficies que se suceden, variaciones que se alternan, construyendo una secuencia que revela la capacidad expresiva de la madera. El montaje buscó resaltar la pureza y el rigor geométrico característicos de Lissoni y la firma.
Sin embargo, por primera vez, ALPI colabora con el estudio Yabu Pushelberg, que se suma al trabajo de Piero Lissoni. La combinación los dos creativos ha da lugar a una nueva lectura de la superficie, entendida no solo como revestimiento, sino como elemento vivo capaz de construir espacios, profundidad y emociones.
Las nuevas colecciones se presentaron como un sistema en tensión entre el rigor de Lissoni y la atmósfera más evocadora del estudio Yabu Pushelberg. Mientras que Piero Lissoni aportaba una visión más geométrica y arquitectónica al stand, el estudio Yabu Pushelberg introducía este toque de imaginación onírica a través de las figuras animales. La instalación se concibió como un «bosque mágico» habitado por criaturas fantásticas (como tucanes o elefantes estilizados) para resaltar la naturaleza vibrante y versátil de la madera reconstituida de ALPI. Un diálogo preciso que transforma el material en lenguaje.
El recorrido adquiere así una dimensión más evocadora, donde elementos verticales, presencias escultóricas y referencias al mundo animal y natural. El resultado es un paisaje inmersivo donde elementos verticales, referencias orgánicas y presencias casi escultóricas amplían la noción de superficie, entendida aquí como un elemento activo capaz de construir profundidad y atmósfera.
Kartell. El blanco como manifiesto. Por Ferruccio Laviani
Fue el stand más sorprendente de toda la feria. Y para muchos de los periodistas que nos concentramos en el Salone del Mobile.Milano, el mejor. Y es que para 2026, su director creativo Ferrucio Laviani, ha dado un giro de 360º a lo que la firma nos tiene acostumbrados.
En Kartell, el stand se ha concebido. como una declaración conceptual donde el blanco actúa como soporte total. Frente al rojo identitario de la marca, Ferruccio Laviani ha planteado un espacio abierto que funciona como contenedor de ideas, narrativas y colecciones. En Kartell, el blanco se convierte en una herramienta proyectual total. Ferruccio Laviani plantea un espacio continuo donde las colecciones se despliegan sin jerarquías aparentes, permitiendo una lectura transversal del catálogo.
En este contexto, las nuevas propuestas que exploran desde la evolución de los polímeros reciclados hasta acabados cada vez más sofisticados. Sillas, luminarias y piezas auxiliares dialogan en un entorno que subraya la versatilidad del material plástico como lenguaje Entre las novedades, Kartell refuerza su colaboración con diseñadores como Philippe Starck y Patricia Urquiola, cuyas piezas exploran nuevas posibilidades del plástico reciclado y los acabados translúcidos. Estas conviven con iconos de la firma reinterpretados, consolidando un diálogo entre legado e innovación.
El proyecto incorpora además una dimensión contemporánea a través del diálogo entre lo analógico y lo digital, donde la inteligencia artificial se integra como herramienta narrativa En este marco, Kartell refuerza su capacidad para moverse entre lo industrial y lo experimental, incorporando además una capa digital en la construcción del relato. La inteligencia artificial aparece aquí como una extensión del proceso creativo, capaz de generar nuevas narrativas visuales capaces de amplificar la identidad de cada pieza sin diluir su materialidad.
Desalto. Metal is our Nature. Por Francesco Rota
El stand de Desalto, uno de los primeros que visité, se despliega como un paisaje cromático donde el color no es solo recurso estético, sino una estructura narrativa. El diseñador milanés Francesco Rota, director creativo de la firma, construye un recorrido envolvente que intensifica la percepción de materiales, acabados y proporciones.
Bajo el concepto «Metal is our nature» (El metal es nuestra naturaleza), Rota ha concebido un espacio que actúa como un «paisaje narrativo» e inmersivo donde el color es el principio rector del diseño. La propuesta reúne nuevas piezas del propio Rota junto a diseños de Kensaku Oshiro y Luca Pevere, en diálogo con iconos de la firma como la mesa Clay de Marc Krusin, reinterpretada en madera. La revisión contemporánea de la tradición —especialmente en la relectura de la silla Chiavarina— introduce una capa de memoria que convive con la investigación técnica.
El stand utiliza las librerías Helsinki, de Caronni +Bonanomi, reinterpretadas como muros arquitectónicos para delimitar el espacio, creando perímetros que amplían la perspectiva visual. El diseño juega con el contraste entre el rigor técnico del metal y la suavidad de las nuevas propuestas de tapicería, todo envuelto en una iluminación difusa que resalta texturas y volúmenes.
Established & Sons. «Next Chapter» Por Studio Met Met
El stand de Established & Sons funciona como una declaración de intenciones: claridad frente a saturación. El stand, diseñado por el estudio holandés Studio met met, fue concebido con un diseño audaz donde cada pieza de mobiliario (como la nueva colección Medusa de Carlo Nason) recibía una atención individualizada, casi como en una galería. El studio Met Met articuló el espacio a partir de una gran rampa inclinada que organizó la colección en distintos niveles, facilitando una lectura inmediata. Destacó por su color azul monocromático y esta rampa inclinada que servía para poder apreciar sin problema las novedades.
La propuesta combina nuevos lanzamientos con reediciones de piezas clave del catálogo, incluyendo diseños de figuras vinculadas históricamente a la marca como Konstantin Grcic o Sebastian Wrong. Sofás de geometría rotunda, luminarias escultóricas y piezas de fuerte carácter construyen un paisaje coherente donde cada objeto adquiere protagonismo. El lanzamiento principal, como avanzamos, fue la colección Medusa, una reedición de los archivos de los años 60 de Carlo Nason inspirada en la forma de una medusa y fabricada en cristal opalino de Murano.
El uso estratégico de la altura no solo ordena, sino que jerarquiza visualmente la colección, permitiendo que las piezas “hero” mantengan su presencia incluso en momentos de alta densidad de visitantes. Un espacio directo, eficaz y alineado con el reposicionamiento de esta prestigiosa y reconocida firma británica.
Kriskadecor. 100 años de Historia. Por Odosdesign
El stand de Kriskadecor, ha sido mi gran favorito. Diseñado por el estudio valenciano Odosdesign —formado por Luis Calabuig y Ana Segovia— repite colaboración tras el reconocimiento obtenido en la edición anterior, consolidando una línea de investigación espacial en torno al eslabón metálico.
En esta ocasión tan especial el espacio, tan pequeño como llamativo, se concibió como una experiencia inmersiva que transformó sus icónicas cadenas de aluminio en un entorno fluido y sensorial. Las desplegaron como una secuencia donde luz, color y movimiento definían la experiencia. Toda una explosión cromática, en la que el diseño utiliza una estructura arquitectónica y fluida. Juegos de luces, texturas y sonidos para crear una atmósfera envolvente e hipnóptica. Nada más traspasar la entrada esas cadenas multicolores te envuelven y guían dentro de un recorrido sensorial basado en el color y la percepción. En su centenario, Kriskadecor ha logrado sintetizar su exitosa trayectoria en un lenguaje arquitectónico propio, que ha sido capaz de transformar un elemento industrial en una materia tan sensible como singular. Muchas felicidades.
Esta edición también tuvo un significado especial, ya que marcó el inicio de las celebraciones por el 100º aniversario de la compañía. Además de la feria, Kriskadecor participó en el Fuorisalone en la prestigiosa Nilufar Gallery ydentro del proyecto Appartamento Spagnolo en el Palazzo Castiglioni, del que ya os iremos contando mas detalles en TeresaHerreroLiving
Point. Por Héctor Ruiz Velázquez
Hay stands que se diseñan para ser vistos. El de Point este año se ha concebido para ser sentido. Así nos avanza la centenaria firma su intención. Al tiempo reafirma la continuidad de su colaboración con Héctor Ruiz Velázquez, un habitual de sus espacios expositivos y que continúa la línea de las ediciones 2024 y 2025. El arquitecto transformó el stand en un refugio sensorial donde el tiempo parecía estar detenido. Lo planteó como una estructura excavada, casi subterránea, contenida entre muros pensados para custodiar y no cerrar. Para ello utilizó geometrías orgánicas y materiales naturales para crear esa atmósfera cálida y envolvente.
La colección Escala de Fabio Novembre , principal lanzamiento, que nos presentó el propio Fabio, articulaba el espacio desde el centro, explorando la relación entre escala, uso y privacidad. El diseño jugó con luces y sombras para resaltar la versatilidad del mobiliario exterior de Point. La intención, recrear la sensación de estar al aire libre mediante recorridos fluidos, invitar a detenerse, estar, sentarse… Y lo cumplimos.
La materialidad juega un papel clave. Hay que destacar revestimientos desarrollados con Ecoclay, a base de arcilla natural, en concreto el uso de pintura de arcilla, en un tono personalizado que aportó profundidad, textura y una cualidad táctil que refuerza la conexión con lo esencial. El conjunto traducía sin ninguna duda y con absoluta coherencia la identidad mediterránea de la firma.
Sancal. Experimentarium. Por Estudio Sancal
Sancal vuelve a ser la caña. Una edición más. Con “Experimentarium”, Sancal construye uno de los discursos más articulados de la feria. Bajo la dirección de las hermanas Elena y Esther Castaño, el stand se plantea como un laboratorio crítico frente a la homogeneización cultural impulsada por los algoritmos.
El stand recibía a los visitantes con una imponente fachada de columnas naranjas que actuaba como un filtro entre el ruido exterior de la feria y el laboratorio creativo interior. El espacio, concebido como un “templo para la experimentación”. Se articulaba en torno a una gran mesa de trabajo donde se materializaba la idea de ensayo y error como motor creativo. El equipo —uniformado con batas blancas— reforzó esta narrativa casi científica, subrayando el carácter procesual del diseño frente al resultado final.
Las colecciones, por supuesto, se integraban en este mismo relato: «Mimoso» de Note Design Studio propone una pausa introspectiva, (que la tuvimos cómodamente sentados con los diseñadores en su sofá.) «Twins»de Júlia Esqué introducía el factor sorpresa; juega con la dualidad a través de textiles que transforman un mismo asiento en identidades opuestas según la tela elegida. «Tiptoe» de Rafa García revisa tipologías desde la ligereza.
Todo ello activado y mimetizado por “Experimental Movement”, una performance de danza contemporánea «Experimentarium in Motion», donde los bailarines Sandra Egido e Iván Sier exploraron cómo el cuerpo interactúa con el mobiliario rompiendo todas las reglas convencionales. No, os digo más, hubo hasta quien lloró al verlo. Otro acierto de Elena y Esther Castaño, que ya han tomado la costumbre de sorprendernos en cada edición milanesa. Bravíssimo!!
Lejos de una exposición estática, Sancal convirtió su stand en un organismo vivo donde la experimentación se reivindica como acto de resistencia. Fuera del recinto de Rho Fiera, Sancal también extendió su concepto al Fuorisalone y participó en el proyecto Appartamento Spagnolo en el Palazzo Castiglioni, donde se recreó una atmósfera con ecos de los setenta.
Vical. Lujo Natural. Por Pep Gramage
El stand de Vical ha sido especialmente relevante y celebrado ya que marca su debut en el Salone del Mobile.Milano. Impactante desde el exterior, lo han planteado desde la geometría, la proporción y la experiencia sensorial, bajo el lema de «Lujo Natural», y la dirección creativa de Pep Gramage. La firma buscaba redefinir su identidad a través del diálogo entre la artesanía, la materia y el diseño contemporáneo y aprovechó esta inmejorable ocasión para mostrar en el Salone sus colecciones de autor y vanguardia de VicalDesign
El espacio se articuló como una secuencia de volúmenes donde la luz, las texturas y los materiales definían un ritmo pausado. La línea VicalDesign, reunía una selección de sus colecciones ya icónicas como la colección «Jacquard» o «Plissé» de José Manuel Ferrero (Estudi{H}ac) (puedes verla aquí) y piezas de autores como Pep Gramage con «Brutalist», (en la imagen) una colección escultórica que juega con volúmenes compactos y la rugosidad de la piedra, o el diseñador Francesc Rifé. El espacio era perfecto para presentar esta línea centrada en la materialidad y la coherencia espacial.
Una colección sin duda destaca por integrar formas arquitectónicas con la calidez de los materiales nobles y funciona como todo un manifiesto sobre la identidad de Vical. El diseño, alejándose de la mera exposición de piezas, conseguía crear una atmósfera de gran intensidad. La madera, el mármol y las fibras naturales de las piezas contribuyeron a sustentar una narrativa que han basado en la materialidad, el detalle artesano y la autenticidad. Un debut por todo lo alto y que obtuvo un gran reconocimiento.
Roca. Rituales mediterráneos. Por Mesura
El stand de Roca, dentro del pabellón de Baños, diseñado por el estudio barcelonés Mesura, es también digno de destacar por su arquitectura secuencial inspirada en la tradición mediterránea. Con una práctica que el estudio centra a en la precisión espacial y la construcción de atmósferas, Mesura ha desarrollado en el stand un proyecto donde cada gesto responde a una lógica muy bien pensada.
Organizado a partir de la intersección de volúmenes y vacíos, llama la atención la escalera central que actúa como elemento vertebrador del recorrido. Esta pieza que nos mantuvo un buen rato admirándola, está hecha con la intención de organizar el movimiento y a la vez encuadrar las vistas a las diferentes colecciones. El recorrido estaba así divido en las distintas áreas que reinterpretan los rituales del baño. La manera de trabajar la luz, los límites y la continuidad entre interior y exterior remiten y homenajean a Coderch y su legado arquitectónico. De esta forma Mesura, a través de una sucesión de ambientes, integró cada colección en una narrativa que buscaba, y lo logró, presentar el baño como un espacio íntimo y ritualizado. Un placer recorrerlo.
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Portada: Stand de Vical/Photo: Alfonso Calza/Vical (Cortesía)
Fotos: @Stefania Zanetti and Matteo Bellomo/Arper. Thomas Pagani/Alpi. Kartell. Desalto. ©Frank_Stelitano/Established & Sons. Kriskadecor. Point. Alfonso Calza/Vical.
Eric Badrinas/Roca
Más info: Salone del Mobile.Milano